THE BIRTH OF BRITISH MUSIC (4 of 4)

The Birth of British Music

The Birth of British Music - Mendelssohn The Prophet.

Mendelssohn - The Prophet

Conductor Charles Hazlewood explores the lives, times and music of great composers. In the final programme in the series, he looks at Mendelssohn, whose music embodies the sound of the Victorian age. A friend of Queen Victoria and Prince Albert, Mendelssohn made ten visits to Britain and his work appealed strongly to British tastes.

Mendelssohn's melodies such as O for the Wings of a Dove and Hark! the Herald Angels Sing became hugely popular and his astonishing overture to A Midsummer Night's Dream perfectly captured the Victorians' fondness for Shakespeare and fairy stories. He portrayed the grandeur of Scotland through a romanticism shared with poets such as Keats and Wordsworth, and captured the public imagination with his pioneering use of a new conductor's tool - the baton.

Charles's journey includes a stormy boat trip to Fingal's Cave and a visit to a chocolate factory, as well as a trip to the recently restored Birmingham Town Hall, where a massed choir comprising choral groups from across the West Midlands is brought together with the BBC Concert Orchestra and soloist Andrew Shore to perform extracts from Mendelssohn's iconic work Elijah.

See also: The Birth of British Music.

Main research: BBC.

THE BIRTH OF BRITISH MUSIC (3 of 4)

The Birth of British Music

The Birth of British Music - Haydn The Celebrity.

Haydn - The Celebrity

In the third of four programmes exploring the development of British music, conductor Charles Hazlewood looks at the fascinating two-way relationship the great composer Haydn had with Britain.

Since Haydn was an astute businessman, it was no coincidence that he chose London as the place to make his personal fortune, taking advantage of the increasing demand for subscription concerts and the lucrative domestic market.

On a visit to the Royal Institution of Great Britain and to William Herschel's house in Bath, Charles explores how Haydn's fascination with musical form and structure in music ran alongside his great interest in science, including the structure of the universe. He also travels to Austria to visit the stunning Esterhazy Palace near Vienna where Haydn worked for over three decades, and to Scotland to investigate Haydn's rather curious association with some of our most famous Scottish folk songs.

See also: The Birth of British Music.

Main research: BBC.

THE BIRTH OF BRITISH MUSIC (2 of 4)

The Birth of British Music

The Birth of British Music - Handell The Conquering Hero.

Handel - The Conquering Hero

In the second of four programmes, conductor Charles Hazlewood explores the glorious music of Handel, who made his home in Britain and became a celebrity and national icon in the process.

Millions across the world heard Handel's 'Zadok the Priest' when Elizabeth II was crowned Queen at Westminster Abbey in 1953, but he was immensely popular in his own lifetime too, as his memorial in Westminster Abbey shows. World-renowed soloists Danielle de Niese and Ian Bostridge join Charles Hazlewood's ensemble, Army of Generals, in some of the best-loved music in our history.

Also included in this programme is an unusual take on John Gay's 'The Beggar's Opera', the 18th-century smash hit that poked fun at Handel's world. Charles invites comedian Phill Jupitus to take a new approach to the music along with acclaimed folk singers Rachel and Becky Unthank, guitarist Adrian Utley from Portishead, and distinguished jazz drummer Martin France.

The Foundling Hospital Museum and Handel's birthplace in Halle are two of the many places Charles visits to explore the stories behind this fascinating composer who has had such a profound influence on our cultural heritage.

See also: The Birth of British Music.

Main research: BBC.

THE BIRTH OF BRITISH MUSIC (1 of 4)

The Birth of British Music

BBC - The Birth of British Music - Purcell The Londoner.

Purcell - The Londoner

In this series, conductor Charles Hazlewood explores the development of British music through the lives, times and works of four great composers, each with a major anniversary in 2009.

The first programme celebrates the music of Henry Purcell, one of the most seminal but mysterious figures of British musical history. Charles investigates what life would have been like for a composer in 17th-century London through a wide range of Purcell's music, from the vast but often overlooked output of tavern songs to his glorious sacred music and pioneering stage works such as Dido and Aeneas. He discovers how Purcell's work is still central to British life today, visiting the Grenadier Guards at Wellington Barracks and attending the Service of Remembrance at the Cenotaph.

Music is performed by Charles Hazlewood's own ensemble, Army of Generals, as well as renowned musicians including Sir John Tomlinson and the Choir of Westminster Abbey.




See also: The Birth of British Music.

Main research: BBC.

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THE BIRTH OF BRITISH MUSIC

Series in which conductor Charles Hazlewood explores the lives, times and music of great composers.

Purcell - The Londoner

The first programme celebrates the music of Henry Purcell, one of the most seminal but mysterious figures of British musical history. Charles investigates a wide range of Purcell's music, from his tavern songs to his sacred music and pioneering stage works. Music is performed by Charles Hazlewood's own ensemble, Army of Generals, as well as Sir John Tomlinson and the Choir of Westminster Abbey.

Handel - The Conquering Hero

The second of four programmes focuses on Handel, who made his home in Britain and became a celebrity and national icon in the process. In an unusual take on John Gay's 'The Beggar's Opera', Charles invites comedian Phill Jupitus to take a new approach to the music along with acclaimed folk singers Rachel and Becky Unthank, guitarist Adrian Utley from Portishead, and jazz drummer Martin France.

Haydn - The Celebrity

In this episode, Charles looks at the fascinating two-way relationship the great composer Haydn had with Britain. Haydn was an astute businessman, so it was no coincidence that he chose London as the place to make his personal fortune, taking advantage of the increasing demand for subscription concerts and the lucrative domestic market.

Mendelssohn - The Prophet

In the final programme, he looks at Mendelssohn, whose music embodies the sound of the Victorian age. Mendelssohn's overture to A Midsummer Night's Dream captured the Victorians' fondness for fairy stories, and he pioneered the use of a new conductor's tool - the baton. Charles's journey includes a trip to Birmingham Town Hall, where a massed choir performs extracts from Mendelssohn's iconic work Elijah.

Main source: BBC.

A ORIGEM DO VIOLINO

VIOLINO

A palavra violino vem do latim médio, vitula, que significa instrumento de cordas. Sua origem vem de instrumentos trazidos do leste da Europa do Império Bizantino. Os primeiros violinos foram feitos na Itália entre os meados do fim do século XVI e o início do século XVII, evoluindo de antecessores como a rebec, a vielle e a lyra da braccio. A sua criação é atribuída ao italiano Gasparo de Salò. Durante duzentos anos, a arte de fabricar violinos de primeira classe foi atributo de três famílias de Cremona: Amati, Guarneri e Stradivarius. Toda a invenção do violino foi conduzida pelas raízes do instrumento milenar chines erhu, as raízes deste instrumento foram os instrumentos de cordas friccionados por arco mais antigos já descobertos.

O violino propriamente dito manteve-se inalterado por duzentos anos. A partir do século XIX modificou-se apenas a espessura das cordas, o uso de um cavalete mais alto e um braço mais inclinado. Inclusive, a forma do arco consolidou-se aproximadamente nessa época. Originalmente com um formato côncavo, o arco agora tem uma curvatura convexa, o que lhe permite suportar uma maior tensão das crinas, graças às mudanças feitas pelo fabricante de arcos François Tourte, a pedido do virtuose Giovanni Battista Viotti, em 1782.

O violino tem longa história na execução de músicas de raiz popular, que vem desde os seus antecessores (como a vielle). A sua utilização tornou-se mais expressiva a partir da segunda metade do século XV.

Violino e a sequencia de Fibonacci: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, 233, 377, 610, ...

O violino pertence à família de instrumentos de cordas, tal como o violoncelo e a viola, sendo o  mais pequeno de todos.

Numa orquestra existem mais violinos do que qualquer outro instrumento. A secção de cordas da orquestra toca mais vezes que as outras e a maioria dos apreciadores de música clássica afirmam que conseguem ouvir durante muito mais tempo o som dos instrumentos de cordas do que o som de outro instrumento qualquer.

Isso só acontece porque o violino é um instrumento extremamente versátil. Soa bem em conjunto, combina bem com outros instrumentos e pode ser tocado de diversas formas. Não é portanto surpresa que tanto os compositores, como os executantes e os ouvintes sejam atraídos por ele.

Mas para ficarmos a saber mais sobre este extraordinário instrumento, nada melhor que saber mais sobre a sua história e como é que ele nasceu.

Os antigos instrumentos como o Nefer egípcio, o Ravanastron da India, o Rebab árabe, o R’Jenn Sien dos chineses e até mesmo da antiga Lira dos gregos, foram a base para a criação de inúmeros outros, conforme as necessidades acústicas e os gostos musicais foram evoluindo.

O primeiro violino como o conhecemos hoje, foi criado por volta de 1500, por Gasparo Duiffopruggar, da Bavária, considerado o pioneiro na fabricação do instrumento.

Quase a seguir surgiu a Escola da Bréscia, na Itália, e em seguida a família Amati, da cidade de Cremona, estabeleceu-se na primazia da construção do violino. Durante quase duzentos anos foram três as famílias que produziam violinos e todas elas de Itália: A família Amati, a Guarneri e a Stradivari.

Destes três fabricantes, o mais famoso, pela sua qualidade, foi sem qualquer dúvida o italiano António Stradivari. Ele tornou o violino mais comprido, reforçou o corpo e alargou os “f-f”, (aberturas de som), enriquecendo assim o timbre. Deu a cada pequeno detalhe um toque de refinamento, o que fez com que seu trabalho fosse reverenciado em toda a Europa.

O seu período áureo foi entre 1700 e 1724,  durante o qual nasceram os seus melhores instrumentos. Atualmente ainda existem cerca de seiscentos violinos de sua autoria e são tocados pelos melhores violinistas do mundo.

O violino é considerado o Rei dos Instrumentos e a sua posição hierárquica numa orquestra, apenas é superada pelo maestro. É sempre o primeiro-violinista que rege todos os outros instrumentos.

Uma das obras mais famosas compostas para violino é “As Quatro Estações” de Antonio Lucio Vivaldi e um dos maiores violinistas de todos os tempos foi Niccolò Paganini.

Por coincidência (ou não) ambos são italianos, o que mostra o quanto este instrumento tem de passional e romântico.

Veja também: CLASSICAL MUSIC.

A ORIGEM DO ÓRGÃO

ÓRGÃO / ORGAN

Órgão hidráulico de Ctesibios segundo a descrição de Hero de Alexandria. Ilustração do livro Denkmäler des klassischen Altertums (Monumentos da Antiguidade Clássica), de 1885, volume 1, página 565 - Fonte.

A história do órgão se inicia no século III a.C, com a criação do hydraulos ou órgão hidráulico pelo grego Ctesíbio de Alexandria.

O órgão hidráulico ou hidraulo[1] (em grego clássico: ὕδραυλις; transl.: hýdraulis) é um tipo de órgão de tubos acionado por ar através da força da água vinda de uma fonte natural (por exemplo, uma cachoeira) ou de uma bomba manual. Assim, o órgão hidráulico não precisa de fole, soprador ou compressor a gás. O instrumento foi inventado na Antiguidade, durante o período helenístico, tendo sido usado desde a Roma Antiga até o século XVII.

O órgão de fole

O órgão é um instrumento musical no qual o som é produzido pela passagem do ar comprimido através dos tubos de metal e madeira. De fato, este é considerado um dos instrumentos mais antigos de toda a música ocidental e o primeiro dos instrumentos de teclas. Os órgãos são conhecidos por sua utilização em grandes igrejas e sua tradição na liturgia cristã. Sua introdução no meio religioso é atribuída ao Papa Vitalian, no século VII.

Órgão de fole.

A história do órgão se inicia no século III a.C, com a criação do hydraulos ou órgão hidráulico pelo grego Ctesíbio de Alexandria. De fato, tal invento, desenvolvido a partir de uma flauta típica de origem grega, é considerado como o “patriarca” dos órgãos. O hydraulos foi amplamente usado durante vários séculos em festividades, no circo e em anfiteatros, até o surgimento do órgão pneumático no século IX, movido por foles manuais, sistema que até hoje ainda é fabricado.

Órgão de tubos - Fabricação.

A autorização do uso dos órgãos nas igrejas só foi concretizada em 1565, pelo Concílio de Milão. Estes eram os únicos instrumentos permitidos durante as celebrações religiosas. Tal realidade durou vários séculos, aspecto que levou o órgão a ter uma grande relevância e um papel de notória importância para as sociedades da época. Somente no ano de 1962, com o Concílio Vaticano II, é que outros instrumentos foram admitidos nas liturgias da Igreja Católica, aspecto que resultou no constante declínio do uso do órgão pneumático.

Já os órgãos eletrônicos surgiram somente nos anos 70, como uma evolução natural dos sintetizadores. Hoje em dia, são encontrados órgãos de todos os tipos, cada vez mais complexos e dotados de recursos inovadores.

Veja também: CLASSICAL MUSIC.

MEDIEVAL MUSIC / MÚSICA MEDIEVAL

Música Medieval

Os começos da música desconhecem-se. Segundo os mitos dos povos, a música é de origem divina. A ideia ocidental da música remonta à Antiguidade Grega, assim como às culturas antigas avançadas.

Mesopotâmia, Egito, Índia, China, Palestina, Itália (Roma). Podemos dizer que foi na Grécia que nasceu a nossa civilização. Aí, como em toda a parte, fazia-se música para as necessidades da religião, da magia, da medicina, da guerra… mas também para o prazer pessoal e dos outros.

A música dos gregos vem da Mesopotâmia, Ásia Menor, Egito…

As múltiplas reproduções em ânforas e a documentação literária na Ilíada e na Odisseia de Homero (séc. VIII a.C.) dão-nos uma ideia mais exata da música.

Para os gregos a música aparece ligada às figuras de Apolo, Dionísio, nove musas…

Música medieval.

Nos diferentes mitos o poder mágico desta arte está evidenciado. A palavra Música, Musike para os gregos, tinha um sentido mais vasto, ou seja, significava a união de diferentes artes, tais como, poesia, canto, dança e música instrumental. Mesmo em sentido especializado, ao nunca ser desenvolvida como arte autônoma, a música está quase sempre ligada à poesia, que é normalmente cantada e acompanhada por instrumentos. Predominava o canto com acompanhamento de instrumentos de corda, Kitharodia (de citara ou lira, associada a Apolo), executado pelos próprios heróis homéricos ou por cantores profissionais. Segundo a lenda, em 750 a.C., e graças ao frígio Olimpo, surge o canto com o acompanhamento do aulos (instrumento de sopro, associado a Dionísio), aulodia. Desde o séc. vi a.C., a lira e o aulos eram igualmente utilizados como instrumentos solistas.

A música grega parece ter sido essencialmente monódica. Os instrumentos poderiam talvez ornamentar a música vocal, ou num conjunto de instrumentos, alguns realizar ornamentos sobre o que os outros tocavam (heterofonia). Muita da música vocal, nomeadamente na recitação dos poemas heroicos ou nos coros das tragédias, teria, provavelmente, um carácter de cantilena; a melodia e o ritmo estavam intimamente associados à melodia e ao ritmo da poesia e à dança com que os coros, na tragédia e nos cultos religiosos, acompanhavam o seu canto. A música anotava-se mediante uma notação alfabética.

5 exemplos de música da idade média.

A música italiana não passou, entre os primitivos romanos, de uma imitação decadente da grande música helênica. Adotaram a prática e a teoria gregas, no entanto, não mantiveram a tradição grega pura. A música desempenhava um papel importante no culto, na sociedade, nos banquetes, na dança, nas representações dramáticas, no trabalho, no exército, etc..

Na época imperial (27 a.C- 476 d.C.) existiu uma música expressamente de entretenimento, destinada a grandes exibições de luta e aos espetáculos que aconteciam nos anfiteatros. Sêneca (Epístola 84) fala de coros com muitas vozes e de conjuntos de instrumentos de metal (por ser uma grande nação militar). Ouvia-se com frequência o órgão hidráulico, inventado no séc. III A.C. por Ktesibios, de Alexandria.

Idade Média (476-1450 C.)

As principais características da música medieval são:

Música Monofônica

A música mais antiga que se conhece, tanto sacra como profana, consiste numa única melodia. Na primeira fase, a música religiosa conhecida como canto gregoriano não tem acompanhamento; consistia em melodias que fluíam livremente, mantendo-se quase sempre, dentro de uma oitava e, preferencialmente, através de intervalos de um tom; os ritmos são irregulares, fazendo-se de forma livre, de acordo com a acentuação das palavras e o ritmo natural da língua latina; o canto gregoriano anotava-se mediante neumas (sinais que indicam movimentos ascendentes e descendentes). Alguns cantos eram executados no estilo antifonal (os coros cantam alternadamente) e outros no estilo responsorial (vozes do coro a responder a um ou mais solistas). As danças e canções (compostas pelos troubadours e trouvéres) são, na maioria, monofônicas – os instrumentos que deveriam acompanhar essas danças e canções incluíam charamela, cometo, órgão, carrilhão, cistre, harpa, viela, rebeca, saltério, etc..

Instrumentos musicais medievais.

Música Polifônica

As primeiras composições datam do séc. IX e consistem na sobreposição de duas ou mais melodias, ou seja, o chamado organum. A época Notre Dame constituiu um dos primeiros pontos culminantes na história da polifonia: o seu nome provém da escola de cantores da Catedral, desde 1163 até meados do séc.XIII. Aqui as partituras de organum alcançaram um admirável estádio de elaboração. Apenas o nome de dois compositores chegou até nós: o de Leonin (até 1180) e p de Pérotin (até 1200). os gêneros da época de Notre-Dame são, para além do organum, o motete e o conductus.

Muitas composições baseadas num cantus firmus tirado de um canto gregoriano, mas algumas peças são compostas de forma independente, como por exemplo o conductus – a música antiga, até ao séc. XII, empregou um sistema de escalas: os modos – maior preponderância de intervalos harmônicos.

"Violinos" (Vielle) Medievais.

Uníssono, quarta, quinta e oitava. Intervalos de terceira e sexta são mais frequentes no fim do período medieval; na Ars Antiqua (1240/50-1310/20), ritmos tomados da poesia; na Ars Nova (1320- 1380), mais flexíveis e ousados. A diferenciação dos ritmos no séc. XIII, para além de outras razões, criou a necessidade de definir ritmicamente a nota individual – notação mensural (uso de diferentes sinais que indicam o valor específico de cada nota). Foi por volta de 1260 que Franco de Colonia inventou aquele sistema.

O maior compositor da Ars Nova é Guillaume de Machaut; escreveu um grande número de motetes e canções. Machaut foi o primeiro compositor a fazer um arranjo polifônico completo da missa (kyrie, Gloria, Credo, Sanctus e Agnus Dei).

A Idade do Contraponto

A Escola Flamenga (vide Josqin des Prés e Orlando de Lasso) converte no séc XVI o estilo contrapontístico numa arte de elevada sensibilidade.

A Idade de Ouro da Polifonia (ou contraponto) é alcançada com Palestrina. Heinrich Schütz leva à Alemanha as grandes tradições do contraponto, estabelecendo assim a transição para a época de Bach e Händel.

O Oratório nasce em Roma com a Congregação do Oratório (sobre sua origem e história primitiva, vide Händel). Atinge com Händel seu desenvolvimento máximo.

A Idade do Contraponto culmina com Johann Sebastião Bach.

Uso do contraponto na música secular o Madrigal (vide Morley, Monteverdi).

Música Homofônica Primitiva

Um estilo de composição instrumental, diverso do estilo vocal, é obtido pelos primitivos mestres do órgão (vide Buxtehude). Evolvem as antigas formas (para a evolução de tais formas de música para órgão, como Passacale, Prelúdio Coral, Tocata, etc., vide Bach: Música para Órgão).

A Ópera é criada pela “camerata” em Florença (para suas origens vide Monteverdi). Com Monteverdi se eleva pela primeira vez à posição de grande arte.

Debussy - Classical Music (20 of 20)

Debussy

Compositor e músico francês nascido em Saint-Germain-en-Laye, cuja obra desempenhou o papel de catalisador de movimentos musicais renovadores e é considerado o grande Impressionista da música. Admitido no Conservatório de Paris (1873), estudou com professores como Antoine Marmontel, Albert Lavignac, Emile Durand e Ernest Guiraud. Neste período acompanhou por diversas vezes von Meck, chegando a visitar Moscou.

Achille-Claude Debussy.

No Conservatório foi segundo lugar com a cantata Le gladiateur (1883) e recebeu o grande prêmio de composição de Roma com a cantata L'Enfant prodigue (1884), obtendo uma bolsa, o Prix de Rome, que dava direito a um período de aperfeiçoamento em Roma, na Villa Médicis. Passou dois anos em Roma e voltou à Paris, onde passou a frequentar a vanguarda literária (1887), inclusive a casa de Mallarmé, foi a Viena e conheceu Brahms. No ano seguinte ouviu Tristão e Isolda, de Wagner, em Bayreuth, o que lhe causou forte impressão. Também ouviu música do Oriente, atração que mais apreciou numa exposição em Paris (1889).

Claude Debussy - La Mer.

Em Paris casou-se (1899) com Rosalie Lily Texier, de quem depois se separou, para se amasiar (1903) com Emma Bardac, com quem teve uma filha (1905). Foi crítico musical (1901-1903) de duas revistas parisienses: La Revue Blanche e Gil Blas e morreu em Paris. Deixando uma produção musical inovadora e pouco acessível para o grande público, com composições para orquestra, para câmara e para instrumentos solo, música para piano, canções e música coral e obras cênicas. Entre as composições mais popularizadas se encontram La Mer (1905) e o terceiro movimento da Suite bergamasque (1890-1905), noturnos para orquestra e prelúdios para piano.

Haydn - Classical Music (19 of 20)

Haydn

Compositor austríaco (31/3/1732-31/5/1809). Considerado o iniciador do classicismo vienense, Franz Joseph Haydn é um dos maiores nomes da música erudita. Nasce em Rohrau, em uma família de artesãos pobres. Estuda em Hainburg e ingressa no coro da Catedral de Santo Estevão, em Viena.

Haydn.

Começa a compor muito jovem. Toca serenatas populares em tavernas, até ser nomeado, em 1759, diretor musical de uma pequena orquestra do conde Morzin, na Boêmia. Em 1761, é contratado pelo príncipe Pál Antal Esterházy como segundo mestre-de-capela, em Eisenstadt.

J. Haydn - Hob XVIII:1 - Organ Concerto in C major.

Joseph HaydnNos últimos anos de vida, trabalha como compositor oficial do império. Morre em Viena, na ocupação da cidade pelas tropas de Napoleão Bonaparte. Deixa 104 sinfonias, como A Caça (1781) e Sinfonias de Paris (1785/86), 50 sonatas para piano e 83 quartetos de cordas. Entre eles destacam-se Cavaleiro (1793) e o Quarteto de Quintas, considerado sua obra-prima.

Vivaldi - Classical Music (18 of 20)

Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi nasceu em Veneza, Itália, no dia 4 de março de 1678, e tornou-se célebre por sua maestria musical e suas composições barrocas. Ele era conhecido como ‘o padre ruivo’, pois tinha cabelos avermelhados.

Seus pais, Camilla Calicchio e Giovanni Battista Vivaldi, estimularam o primogênito a percorrer o caminho musical. Seu progenitor exercia o ofício de barbeiro, mas também desenvolvia seu dom para o violino. Assim, não foi difícil para o homem singelo promover o começo da trajetória artística do filho, inscrevendo-o na Capela Ducal de São Marcos quando ainda era uma criança, com o objetivo de lapidar seu talento na esfera da música. O pai providenciou igualmente seu ingresso na orquestra da Basílica de São Marcos; aí o jovem se destacou como o melhor violinista de sua época.

Antonio Vivaldi.

Vivaldi escolheu o caminho do sacerdócio e em 1703 sua opção foi oficializada. Um ano depois, com o organismo debilitado por crises asmáticas, foi liberado da prática solene da Eucaristia, o que lhe proporcionou o tempo necessário para dar aulas de violino na Ospedale della Pietà, um estabelecimento assistencial veneziano que abrigava jovens e crianças do sexo feminino.

Antonio Vivaldi - concerto para 4 violinos.

Logo foi cativado pelas alunas, e inspirado por elas criou a maior parte de sua obra; o primeiro conjunto de sua produção musical foi publicado em 1705. Nesta instituição o padre assumiu várias funções, embora nenhuma o tenha impedido de viajar. Sua obra Estro armonico provocou profunda impressão em todo o continente europeu, o que justifica Bach ter reproduzido em 1713 vários desses concertos.

Antonio Vivaldi - La Stravaganza.

Nesta época o compositor passou a atuar no Teatro de Santo Ângelo, e aí encenou suas primeiras produções operísticas e várias peças musicais, entre elas Orlando Furioso e La Stravaganza. O Opus 8, no qual está incluso seu clássico, As Quatro Estações, foi gerado justamente nesta época.

Vivaldi - 'LA NOTTE' - Concerto for Flute and Orchestra No.2 in G Minor.

A dedicação de Vivaldi ao sacerdócio não o impediu de alimentar diversos relacionamentos afetivos, entre os quais se destaca sua relação com uma de suas pupilas, Anna Giraud. Diz-se que ele moldava suas óperas segundo os dotes vocais da jovem, o que lhe provocou alguns contratempos e engendrou um ou outro adversário.

Vivaldi - Four Seasons - Winter - Janine Jansen.

Vivaldi morreu na cidade de Viena, em 28 de julho de 1741, aos 63 anos. Atualmente sua obra se resume a 456 concertos, 73 sonatas, 44 motetos, três oratórios, duas serenatas, por volta de 100 árias, 30 cantatas e 47 óperas. Com a emergência do movimento classicista, o músico foi sepultado na memória histórica por muito tempo. Sua produção ressurgiu no século passado, mais precisamente na década de vinte.

Rossini - Classical Music (17 of 20)

Rossini

Gioachino Rossini: nascido poucos meses após a morte de Mozart, Rossini foi o maior compositor de ópera entre as décadas de 1810 e 1830, quando abandonou prematuramente a composição. Suas óperas cômicas exalam inventividade e alegria, enquanto as sérias têm grande beleza melódica e soberba escrita tanto para vozes como para orquestra. Um festival anual em sua cidade natal, Pesaro, celebra sua obra.

Gioacchino Antonio Rossini nasceu em 1792 na cidade italiana de Pesaro. Para escapar da pobreza, seu pai cogitou castrá-lo. Com isso, a voz do garoto não mudaria durante a adolescência e ele poderia continuar como cantor no coro da igreja. A mãe, porém, foi contra.

O próprio Rossini gostava de contar essa história aos amigos, explicando como escapara de se tornar um castrati. "Quando criança, eu tinha uma bela voz", recordava ele. "Meus pais me faziam cantar no coro da igreja. Foi quando um tio, barbeiro de profissão, convenceu meu pai da oportunidade de impedir a mudança de minha voz, pois assim me tornaria uma fonte de renda segura para toda a família", contava.

Se Rossini quase se tornara um virtuose do "bel canto" pelas mãos do próprio tio, seria por meio de outro barbeiro que a posteridade se lembraria dele. Sua ópera O barbeiro de Sevilha é uma das mais conhecidas e mais executadas de todos os tempos. No entanto, ela é apenas uma das mais de trinta óperas compostas por Rossini ao longo da vida. De todas elas, apenas Guilherme Tell alcançou popularidade parecida.

Rossini compôs a primeira ópera aos 18 anos. Seu grande sucesso de público veio logo, aos 21 anos, com a montagem, em Veneza, de Tancredo, uma das óperas "sérias" deste que foi um mestre das composições cômicas. Ao lado de O barbeiro de Sevilha, obras como Cenerentola e La gazza ladra, que também exibem a inegável verve e o domínio de Rossini no gênero, acabaram ofuscando a parte mais sóbria de seu trabalho. As óperas Otello e Semiramide, por exemplo, hoje estão praticamente esquecidas.

O Barbeiro de Sevilha - Rossini.

Em 1824, o compositor visitou Beethoven em Viena e este recomendou-lhe que esquecesse o repertório mais sóbrio e escrevesse outras óperas parecidas com o então já célebre O barbeiro de Sevilha. "Para a ópera séria, seu talento não presta", opinou Beethoven.

Ao contrário da maioria dos compositores românticos, Rossini conseguiu ganhar um bom dinheiro com sua música. Com frequência, escrevia óperas sob encomenda. Entre outros contratos, trabalhou para o Scala de Milão, para a Ópera Italiana, para a Ópera de Viena e a Ópera de Nápoles. Nesse período, em oito anos de trabalho, chegou a compor nada menos de vinte obras líricas. Dizia-se, na época, que existia uma "febre rossiniana" na Europa. O escritor Stendhal comparava-o a Napoleão. Um conquistara a Europa com canhões; o outro, com a música.

Aos 31 anos, Rossini mudou-se para a França, onde assinou um polpudo contrato com a Academia de Música de Paris, sob patrocínio do próprio rei, que o nomeou "primeiro compositor real" e "inspetor geral de canto". Repentinamente, aos 37 anos, anunciou que se aposentaria e deixou de compor. Era julho de 1830. Uma revolução fazia Rossini retornar para a Itália, abandonando Paris e a música.

Em 1845, ficou viúvo. Um ano após a morte da soprano Isabella Colbran, sua primeira esposa, Rossini casou-se com Olympe Pélissier, que organizaria, na casa do marido (já de volta a Paris), célebres reuniões com a elite cultural e intelectual francesa. Rossini e Olympe ficariam juntos até a morte. Perto do final da vida, Rossini voltaria a compor algumas peças para voz e piano. Mas, a essa altura, sua contribuição para a música já estava devidamente consolidada.

Viveu os últimos 40 anos de vida quase ociosamente. Como um príncipe, desfrutava da fortuna que amealhara no período de maior atividade. Nessa época, tornariam-se célebres os banquetes que oferecia aos amigos, sempre regados a bom champanhe, pratos sofisticados e frases espirituosas, outra das marcas registradas de Rossini.

Quando morreu, em 13 de novembro de 1868, deixou uma fortuna em seu testamento. Como não tivera filhos, grande parte do dinheiro foi destinada, por vontade expressa dele, à fundação da Villa Rossini, instituição beneficente que passou a abrigar músicos aposentados e sem recursos financeiros. A herança também serviu para a criação da Fundação Rossini, em Pesaro, sua cidade natal, entidade que até hoje detém a guarda de seu acervo musical. Por fim, no testamento, Rossini instituiu um prêmio anual, destinado a incentivar a carreira de compositores na França.

Richard Strauss - Classical Music (16 of 20)

Richard Strauss

Compositor e maestro alemão (11/6/1864-8/9/1949). É o mais destacado representante da música pós-romântica. Richard Georg Strauss nasce em Munique. Seu pai, trompetista da orquestra do Teatro de Ópera dessa cidade, proporciona-lhe educação musical desde a infância.

Richard Strauss.

Richard StraussComeça a compor aos 12 anos. Depois de estudar filosofia na Universidade de Munique, resolve seguir a carreira de regente, exercendo cargos em Meiningen, Munique, Weimar, Berlim e Viena. Alcança fama com poemas sinfônicos, como Don Juan (1888) e Assim Falava Zaratustra (1896). Após 1900 se dedica sobretudo à composição de músicas vocais e óperas, como Salomé (1905),Electra (1906-1908) e A Mulher sem Sombra (1919), todas sucesso de público. A orquestração complexa de sua obra exige técnica apurada de seus intérpretes.

Richard Strauss - Also sprach Zarathustra, Op. 30.

Rege concertos que maestros contemporâneos seus se recusam. Aceita em 1933 dirigir a Reichsmusikkammer e é acusado de colaborar com os nazistas. Hostilizado, transfere-se com a família para Viena. É inocentado por um tribunal do pós-guerra e volta para a Alemanha. Morre em Garmisch-Partenkirchen.

Wagner - Classical Music (15 of 20)

Wagner

Richard Wagner (1813-1883) foi um músico erudito alemão. Sua obra mais famosa é a ópera “Tristão e Isolda”.

Richard Wagner nasceu em Leipzig, cidade onde viveu músicos famosos como Johann Sebastian Bach e o escritor Johann Wolfgang von Goethe. Viveu num bairro judeu, filho de um funcionário da polícia Carl Friedrich Wagner e de Johanna Rosine, filha de um padeiro.

Richard Wagner.

Wagner foi influenciado artisticamente pelo seu pai adotivo, que era ator e pintor. Adquiriu muita cultura na biblioteca de seu tio e foi influenciado pelas irmãs que atuavam no teatro. Aos 5 anos, escreveu sua primeira tragédia, “Leubald”. Mas ao ouvir as sinfonias de Beethoven, principalmente a 5º e 7º, decidiu que a música seria o caminho que seguiria.

A partir de 1831, quando matriculou-se no conservatório em sua cidade natal, começou a escrever uma série de óperas: “Amor Proibido”, “As fadas” e "O Navio Fantasma”(escrita em Londres) são algumas delas.

Viveu em vários países, ora por problemas com dívidas ou por motivos políticos, em lugares como Zurique, Londres e Paris.

Richard Wagner - Der Ring des Nibelungen.

Wagner foi responsável por uma revolução no gênero ópera, dramatizando-as e em cenas totalmente imersas no clima musical. O músico escolheu como tema para boa parte de suas óperas a mitologia alemã e as lendas medievais.

Wagner tonou-se antissemita e extremado nacionalista, o que notou-se claramente em sua obra musical. Suas obras mais famosas tratam do imaginário e mitos da Alemanha: “Tristão e Isolda”, “Anel de Nibelungo”, “A Valquíria”, “Siegfried” e “Crepúsculo dos deuses” são as mais conhecidas.

Wagner foi influência importante para músicos como Debussy. Segundo o crítico musical Otto Maria Carpeaux, a peça Tristão e Isolda foi o “ponto de partida para toda a música moderna”.

Morreu em Veneza, vítima de ataque cardíaco.

Bach - Classical Music (14 of 20)

Bach

Johann Sebastian Bach foi um músico, compositor e organista alemão, considerado um dos maiores artistas da história da música. Faz parte da tríade dos maiores músicos eruditos ao lado de Beethoven e Mozart.

Johann Sebastian Bach nasceu em Eisenach, Alemanha, no dia 21 de março de 1685. Era descendente de uma família de músicos luteranos conhecidos na província da Turíngia, parte central da Alemanha. Seu pai era violonista, instrumento que praticamente o iniciou no mundo da música. O tio de Bach também foi responsável para que o músico aprendesse instrumentos importantes na sua carreira, como o cravo e órgão.

Bach.

Bach ficou órfão cedo. Quando tinha apenas nove anos sua mãe morreu. Aos dez, perdeu o pai. Foi criado pelo seu irmão, Johann Cristoph, que lhe ensinou as regras de composição. Embora fosse complicado para o jovem Bach estudar com frequência os exercícios musicais, aos 18 anos foi nomeado organista da igreja de Arnstadt, com ótima formação musical devido à sua capacidade de absorção de todo conhecimento da música existente em sua época.

Contrariando os seus superiores, manteve uma mulher no coro, a sua prima Maria Bárbara, com quem casou posteriormente. Demitido, foi nomeado organista na igreja de São Brás, em Müllhausen. No outro ano, foi aceito como mestre de capela de Weimar, onde compôs excelentes obras para órgão, porém, foi censurado pelo conselho da cidade por seu forte temperamento e por suas composições serem consideradas “floreadas” e agressivas ao gosto da época. Pediu demissão, o que não foi aceito pelo duque de Weimar, por isso, ficou preso durante um mês.

Depois de Weimar, Bach serviu ao príncipe da província de Köthen, Leopold, onde só comporia música instrumental e profana. Viveu dias felizes naquele lugar, porém, com o casamento do príncipe com uma aristocrata pouco afeita à música e com a morte de Maria Bárbara, sua esposa, Bach mudou-se para a cidade de Leipzig. Casou-se com sua aluna, a soprano Anna Madalena, com quem viveu até fim da vida.

Air on the G String (Suite No. 3, BWV 1068).

Adagio - Johann Sebastian Bach.

Em Leipizg, Bach teve de atuar como profissional responsável pelas aulas de latim na escola e pelas músicas da igreja de São Tomás. Lá, compôs boa parte de suas cantatas, contabilizando mais de duzentas obras. Não teve vida fácil, sendo, inclusive, injustiçado com a diminuição de seu salário e prejudicado pelos superiores pelo excesso de trabalho.

O único triunfo e reconhecimento como compositor em vida foi uma apresentação junto ao rei da Prússia, Frederico II, quando compôs uma variação para um tema dado pelo monarca, o que originou a “Oferenda Musical”, composta já no fim de sua vida.

Bach foi responsável por composições que se tornaram patrimônio artístico ocidental: a “Paixão Segundo São Mateus”, “Concertos de Brandenburgo”, “O Cravo Bem Temperado”, as cantatas: “Variações Goldberg”, “Concertos para Violino”, os oratórios: “Grande Missa” e a "Arte da Fuga”, esta composta no fim da vida quando já se encontrava cego.

Johann Sebastian Bach faleceu em Leipzig, Alemanha, no dia 28 de julho de 1750, vítima de derrame provocado por uma cirurgia ocular.

Liszt - Classical Music (13 of 20)

Liszt

Franz Liszt foi músico húngaro. Considerado o maior pianista de sua época. Compositor de "Poemas Sinfônicos", "Sonata em Si Menor", "Fausto-Sinfonia", "As Lieder", entre outras. Descobre o Romantismo, no qual todas as correntes, francesa, inglesa, alemã e italiana influenciam nas suas composições.

Franz Liszt nasceu na vila de Raiding, Doborján, na região da Hungria, no dia 22 de outubro de 1811. Seu pai Adam Liszt era administrador das propriedades do Príncipe Nicolas Eszterházy, candidato napoleônico ao trono húngaro, o príncipe foi protetor de Joseph Haydn e de Ludwig van Beethoven. Seu pai tocava violino e cantava no coro da igreja. Franz recebia aulas do pai e assimilava tudo com extrema facilidade.

Franz Liszt.

Com nove anos de idade já se apresentava em Oldenburgo, Eisenstadt e em Presburgo. Pensando no futuro do filho a família vai morar em Viena, quando Franz estava com dez anos. Na capital austríaca, Franz estuda piano gratuitamente, com o professor Czerny, que foi aluno de Beethoven, enquanto Salieri, mestre da capela da corte, lhe ensina teoria musical. Depois de dois anos de estudos, sua primeira apresentação foi brilhante. O programa constava de músicas que exploravam o efeito do virtuosismo do jovem. Os jornais o acolheram como um fenômeno.

Meses depois a família volta para a Hungria, para concertos em Budapeste, em seguida mudam-se para a França, para Liszt estudar no Conservatório Nacional de Paris. O diretor da escola recusa o aluno por ser estrangeiro. O velho Liszt não se abalou pois os comentários vindo do exterior abriram a expectativa do público parisiense em relação ao jovem virtuose. Com treze anos Franz apresenta seu primeiro concerto público no Teatro Louvois. O jovem é aclamado pela imprensa.

Franz Liszt - Hungarian Rhapsody n.2 - The Perfect Version.

Franz Liszt - Hungarian Rhapsody.

Franz Liszt trabalha exaustivamente e é obrigado a tirar um período de descanso no litoral francês. Nessa época, em agosto de 1827, morre seu pai. Junto com sua mãe, muda-se para Paris onde passa a lecionar música, abandonando os concertos. Franz apaixona-se por uma aluna, Carolina, filha do Conde Saint Cricq. Obrigado a se afastar da amada, recolhe-se ao isolamento.

Artur Rubinstein plays Liebestraum nº3 Liszt.

Un Sospiro - Franz Liszt - Trois études de concert No.3.

Em 1830, a revolução contra a monarquia de Carlos X, consegue tirar Liszt da apatia. Estabelece grande amizade com Frédéric Chopin e Niccolò Paganini. Com 22 anos conhece a Condessa Marie d'Agoult, vive com ela durante seis anos na Suíça, período que se dedica à composição. Com 31 anos, a convite da imperatriz Alexandra Feodorovna, Liszt segue para Rússia. Na corte de Weimar, na Prússia, vive dez anos como mestre de capela. Apresenta recitais na Turquia, Dinamarca, Polônia, Portugal e Espanha.

Franz Liszt, a partir de 1860, se recolhe a vida religiosa, onde continua compondo e lecionando. No dia 31 de julho de 1886, morre pobre e solitário.

Beethoven - Classical Music (12 of 20)

Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) foi um compositor alemão. A "9.ª Sinfonia" foi a obra que o consagrou em todo o mundo. Em 1814, foi reconhecido como o maior compositor do século.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) nasceu em Bonn, Alemanha, no dia 16 de dezembro de 1770. Filho e neto de músicos, com apenas 5 anos, sob a orientação rígida do pai, começou a estudar cravo, violino e viola. Com 7 anos participou de um recital na Academia de Sternengass. Com diversos professores, estudou a obra de Bach, aprendeu a tocar órgão e piano e começou a aprender também composições e teoria musical. Com 11 anos foi nomeado organista-suplente da corte.

Escultura de Beethoven.

Com treze anos já era solista de cravo na corte de Bonn. Passou a receber a proteção do Príncipe Max Franz, governante de um dos 300 pequenos Estados que formavam o Império da Alemanha. Nessa época, publicou sua primeira obra: “Nove Variações para Piano sobre uma Marcha de Ernest Christoph Dressler”. Com 14 anos publicou “Três Sonatinas para Piano”.

Em 1787, com 17 anos, Beethoven seguiu para Viena onde foi recebido por Mozart, que lhe prevê um grande futuro. Em 1791, com apenas 21 anos, já desfrutava de prestígio junto a nobreza de Bonn, que não dispensavam em suas festas a presença do músico, que pouco frequentou a escola, mas havia cursado a universidade como ouvinte, para adquirir cultura.

Em 1792, Beethoven retorna à Viena, em definitivo. As cartas de apresentação lhe abriram as portas da nobreza local. O Príncipe Karl Lichnowsky o instalou no palácio e lhe pagava uma pensão. Os recitais constituíam o divertimento predileto da nobreza. As apresentações musicais limitavam-se quase a concertos nos palácios. Só em 1795, Beethoven fez sua primeira apresentação pública, quando executou um concerto para piano que foi delirantemente aplaudido. Logo em seguida publicou “Três Trios para Piano, Violino e Violoncelo, Opus 1”, dedicados ao Príncipe.

Beethoven 9 - Chicago Symphony Orchestra - Riccardo Muti.

Em 1796, Beethoven se apresentou em Praga e em Berlim, onde cumpriu um extenso programa para a corte imperial, do qual constavam “Duas Sonatas para Violoncelo, Opus 5”, escrita especialmente para a ocasião. Em 1797, estava com 27 anos e crescente prestígio que atraía alunos e convites para recitais, que lhe proporcionava uma folga financeira, e lhe permitia vestir-se elegantemente e até ser sociável.

Em 1798 surgiram os primeiros sintomas da surdez, mas escondeu o problema de todos. Em 1800, foi o início do período mais brilhante da carreira de Beethoven, quando ele produziu as grandes sinfonias que lhe dariam imortalidade. Em 1824, apresentou pela primeira vez a “Sinfonia nº 9”. No fim da apresentação uma tempestade de aplausos saudou o gênio. Envelhecido e doente, o compositor já não se empolgava com o êxito e a repercussão de sua música.

Ludwig van Beethoven morreu em Viena, Áustria, no dia 26 de março de 1827.

Obras de Beethoven

Três Sonatas para Piano, Opus 2 (1797)
Trio em Mi Bemol, para Violino, Viola e Violoncelo, Opus 3 (1797)
Serenata em Ré, para Violino, Viola e Violoncelo, Opus 8 (1798)
Três Sonatas para Piano e Violino, Opus 12 (1799)
Sonata em Dó Menor para Piano, Opus 13 (1799) (Patética)
Duas Sonatas para Piano, Opus 14
Septeto em Mi Bemol, Opus 20 (1800) (Dedicado à Imperatriz Maria Teresa da Áustria)
Sinfonia n.º 1 em Dó Maior, Opus 21 (1800)
Concerto n.º 3, em Dó Menor, para Piano e Orquestra, Opus 37 (1800) (Dedicado ao Rei Luís Fernando da Prússia)
Sonata Quase uma Fantasia, Opus 27 n.º 2 (Sonata ao Luar)
Sinfonia n.º 2 em Ré Maior, Opus 36
Sinfonia n.º 3 em Mi Bemol Maior, Opus 55 (1805) (Heroica) (Título original “Sinfonia Grande – Titolata Bonaparte” (Ao saber que Napoleão se fizera imperador dos franceses, trocou o título para “Sinfonia Eroica”)
Ópera Fidelio (1805)
Sinfonia 4, 5 e 6 (Pastoral)
Sonata em Fá Menor, para Piano, Opus 57 (1808) (Appassionata) (Representou o rompimento dos últimos elos que o ligavam ao classicismo e a adoção da linguagem emotiva que caracterizou a época romântica)
Concerto n.º 5, para Piano e Orquestra, Opus 73 (1809) (Imperador)
Sinfonias n.º 7 e n.º 8 (1812)
Sonatas para Piano, Opus 106, 109, 110 e 111 (1822)
Missa Solene em Ré Maior, Opus 123 (1823) (Obra gigantesca em valor musical e em duração)
Sinfonia n.º 9, Opus 125 (1824) (Coral) (Escrita quando já estava totalmente surdo)
Quartetos para Cordas, Opus 127, 130, 131, 132 e 135 (1825) (suas últimas composições)